Rainy Cityscapes by Eduard Gordeev - Originally posted on e MORFES

Прекрасные работы - совпали с моим настроением...

Eduard Gordeev is a talented photographer based in St. Petersburg who takes photos that resemble that of oil canvas paintings. Gordeev uses specific camera and editing work to capture this paint-like atmosphere.

 Источник: eMORFES

Korean Scholar-Officials

Ancestral portraits Scholar-Officials (sadaebu or sonbi) represent the highly educated ruling class that emerged during the Choson dynasty (1392-1910) as the founder, Yi Songgye (133–1408) adopted Neo-Confucianism-the modified teachings of the early Chinese philosopher Confucius (about 552–479 B.C.E) to establish new principles for Korean governance. Implementing a competitive Confucian examination system to select civil servants, early Choson kings created a class of government officials who were familiar with Chinese and Korean historical and literary classics. This new class, also called yangban (literally two divisions, reflecting the civil or military assignments they received), challenged aristocratic families that had monopolized power during the Koryo period and redirected the course of Korean history and art history.
- June Li, Curator, Chinese and Korean Art, (2002)

Original publications look here:

Portrait of Scholar-Official Yun Bonggu (1681-1767) in his Seventieth Year Byeon Sang-byeok (Korea, 1725-1775) Korea, Korean, Joseon dynasty (1392-1910), dated 1750 Paintings Hanging scroll, ink and color on silk Image: 47 x 35 1/2 in. (119.38 x 90.17 cm); Mount: 76 1/2 x 43 1/2 in. (194.31 x 110.49 cm); Roller: 43 3/4 in. (111.13 cm) Purchased with Museum Funds (M.2000.15.17) Korean Art

Portrait of Scholar-official Robe Korea, Korean, Joseon dynasty (1392-1910), 19th century Paintings Hanging scroll, ink and color on silk Image: 53 x 30 5/8 in. (134.62 x 77.79 cm); Mount: 68 1/2 x 33 1/8 in. (173.99 x 84.14 cm); Roller: 36 in. (91.44 cm) Purchased with Museum Funds (M.2000.15.18) Korean Art

Scholar-official Ahn in his Fifties Year Yi Chaegwan (Korea, 1783-1837) Korea, Korean, Joseon period (1392-1910), 19th century Paintings Hanging scroll, ink and color on silk Image: 32 1/2 x 22 1/2 in. (82.55 x 57.15 cm); Mount: 76 1/4 x 43 1/4 in. (193.68 x 109.86 cm); Roller width: 44 3/4 in. (113.67 cm) Purchased with Museum Funds (M.2000.15.16) Korean Art

РЕБЛОГ - Гид: Пауль Клее в Пушкинском: экскурсия с куратором — Искусство — Афиша-Воздух

В Пушкинском музее открылась первая в России большая ретроспектива Пауля Клее, одного из самых известных художников XX века. «Воздух» прошелся по экспозиции с куратором выставки Фабьен Эггельхофер и узнал, почему Клее до сих пор не выставляли в России.
ИСКУССТВО
22 декабря

Интервью: Мария Семендяева

«Это первая выставка Пауля Клее в России. Для нас было важно показать его работы от самых ранних до последних, чтобы зритель понимал, о каком художнике идет речь. В первой комнате выставлены детские рисунки Клее, которые он сам потом включил в авторский каталог своих работ в 1913 году. Для него это был невероятно важный этап творчества, и не потому, что он считал себя абсолютным гением, даже детские рисунки которого достойны выставки, а потому что это пример его собственного художественного языка, нисколько не похожего на академизм, которому его учили в университете».

 

Пауль Клее. Грозная голова, 1905

«В Мюнхенской художественной школе Клее делал натуралистические рисунки, в которых детально копировал натуру как классический рисовальщик. Он специально посещал анатомические занятия в университете и изучал строение тела. Для него было важно научиться сначала в совершенстве рисовать, а потом уже искать свой собственный язык. Он всегда считал себя хорошим рисовальщиком, но плохим живописцем».

Пауль Клее. Скалистый пейзаж (с пальмами и елями), 1919

«В серии гравюр «Инвенции» он критиковал общество и одновременно искал свой собственный путь. Тут он подражает Дюреру и немного Гойе. Гойя ему нравился всегда, Джеймс Энсор тоже. Но кумиров у него не было — он любил идти своей дорогой. Вскоре Клее от копирования внешних черт перешел к изображению процессов — его работы полны внутреннего движения. Это не имело отношения к импрессионизму, который копировал внешнее. Клее не было важно фиксироваться на чем-то одном, он делал и реалистические, и абстрактные работы. Поэтому он никогда полностью не принадлежал ни одному из движений вроде сюрреализма или абстракционизма».

Пауль Клее. Широкий натюрморт, 1932

«После обучения в Швейцарии Клее отправился в Мюнхен, но местная Академия не приняла его в свои ряды, поскольку он был недостаточно хорош в рисунке. Поэтому он брал частные уроки, но после двух лет такой жизни его семья настояла на возвращении. Мюнхен в то время был как Париж: сплошные вечеринки, девушки, веселье, и родители не хотели платить за его веселую жизнь. Клее вернулся в Берн и еще несколько лет учился. Он съездил в Италию, которая его невероятно разочаровала. Ренессанс ему понравился, но ничего нового Клее о современном искусстве не узнал, однако прочитал в путешествии «Учение о метаморфозе растений» Гете и понял, что хочет растить свои собственные формы. На это ему понадобилось несколько лет».

Пауль Клее. J., все еще ребенок, 1933

«Огромное впечатление на Клее произвело путешествие в Тунис. Там он научился по-другому использовать цвета, его поразил свет и композиция городов, сплошь застроенных маленькими разноцветными домами, он начал рисовать квадраты в 1914 году. В этот момент начала меняться его живописная манера. Абстракция и цвет — вот что его интересовало больше всего».

Пауль Клее. Флора, 1937

«После Туниса в 1910-е он прославился, завязал знакомства — в том числе с Кандинским. Это было во многом похоже на сегодняшний мир, без знакомств он бы никогда не показал свои работы на выставке объединения «Синий всадник», его бы не позвали в Баухаус. В 1931–1932 году он пережил даже небольшой конструктивистский период. Клее создавал композиции из дерева и нитей и зарисовывал их. Также, например, в этот период он создал удивительный конструктивистский рисунок с внуком, который сидит на плечах у деда и управляет им, как механизмом. Несмотря на весь функционализм этого рисунка, в нем есть ирония и любовь. Так всегда было у Клее. Он был очень спокойным человеком, в Баухаусе его называли Буддой. К нему всегда прислушивались. Я думаю, у него было замечательное чувство юмора. Он всегда давал своим работам ироничные названия, которые придают им тонкости».

Пауль Клее. Женщина в традиционном наряде, 1940

«После Баухауса он отправился в Дюссельдорф и преподавал в Академии, но потом к власти пришли национал-социалисты, и он сбежал в Швейцарию, потому что был «дегенеративным художником» с точки зрения новой власти. В этот период он делает около сотни рисунков, которые выполнены в такой манере, по которой ты сразу понимаешь, что он был очень зол. Он никогда не изображал национал-социалистов напрямую, но всегда понятно, о чем идет речь. Например, вот портрет «Собутыльника», и по нему очевидно, что это Гитлер. Есть пародия на нацистское восприятие искусства: кусок массивной конной статуи и восхищенные зрители. Называется «Произведение искусства».

Пауль Клее. Без названия, около 1940

«Поздние работы Клее выглядят немного по-детски, но он был очень уверен в том, что хочет нарисовать. В названиях тоже много иронии. Вот, например, работа «Verruckung»: это игра слов. «Zu verruck» по-немецки значит «передвигать», а «verruckt» значит «безумный» («поехавший», по-русски). То есть это портрет немного безумной девушки, при этом сам рисунок немного поплыл».

Кукла из домашнего театра Пауля Клее. Автопортрет.

«Пауль Клее сделал набор кукол для своего сына Феликса в период, когда он был близок к Баухаусу. Среди кукол был даже его авторпортрет. Он делал очень необычные игрушки, среди них был поэт, клоун, Богоматерь, или, например, герр и фрау Смерть».

 

Пауль Клее. Три цветка, 1920

«В 1936 году он заболел, и до сих пор не известно, что именно была за болезнь. В 1939 году он сделал что-то около 1253 работ, а на следующий год умер. Он как будто из последних сил работал. Тогда же он записал в своем дневнике «Ни дня без линии» — это был его девиз, который дал название всей выставке. Он никогда не шел в одном направлении. Он рассказывал истории, но при этом его работы были абсолютно абстрактными, геометрическими, потом он мог заняться куклами — с ним было не соскучиться.

Он был очень знаменит в 20-е, его знали все галеристы, он был в Баухаусе, но в 30-е, когда он был вынужден бежать от власти национал-социалистов, это все обрубилось. Некоторые коллекционеры уехали в США, там продавали его работы, которые пользовались популярностью в 30-е и 50-е, но в Швейцарии не происходило ничего. Он не мог выставляться, никто про него не знал, да и умер он довольно рано. Пикассо, например, дожил до солидных лет и продолжал привлекать внимание к себе. Клее не слишком узнаваем, его работы разные, невозможно сказать «О, это Клее!» — потому что всегда будет «О, и это тоже Клее?!» — пожалуй, это не слишком выгодно для художника, что тогда, что сейчас. Я была поражена, когда узнала, что в России никогда не было выставки Клее, наверное, это следствие того, что он не был суперзвездой, как другие его современники».

В коллекцию "Любимые фотографы" - "Peinture Flamande" by Sacha Goldberger

Французский фотограф Саша Голдбергер (Sacha Goldberger) родился в 1968 году. Его отец был из Нормандии, а мать из Венгрии. В возрасте 21 года Саша стал креативным директором BBDO. Прежде, чем сталь фотографом, он проработал креативным директором 10 лет. В 2003 году Саша Голдбергер выпустил свою фото книгу под названием “Просто, я тебя люблю”, было продано 130000 копий по всему миру. У Саши есть фотопроект, "Mamika, grand small grandmother” с его бабушкой, которую он решил развеселить в 90 лет и показать, что жизнь продолжается. Французский фотограф сотрудничал с такими мировыми брендами как Elle, WAD, WAD, Peugeot, Rhodia и другие.

смотреть коллекцию "Peinture Flamande" by Sacha Goldberger


#Sacha Goldberger  #photo   #artphoto  #art  #PeintureFlamande #photography #styling

В коллекцию "Любимые фотографы"

Швейцарский фотохудожник итальянского происхождения Кристиан Тальявини (Christian Tagliavini) родился в 1971 году. Учился в Италии и Швейцарии. Живёт и работает в Швейцарии. В своем творчестве мастерски совмещает фотографию и графический дизайн. Это обеспечивает ему идеальную рамку и фон, чтобы изобретать, создавать и полностью получать изображения, которые сочетают изобразительное искусство и фотографию. Это не просто изображения - Кристиан Тальявини любит  истории с открытыми окончаниями, требующие соучастия наблюдателя, неисследованные темы или необычные концепции. Показывает необычных людей с их жизнью и своими мыслями. Это богатый и захватывающий мир постановочной фотографии.

         Международные премии:

LOS ANGELES
IPA 2013
Winner in the Fine Art Professional Portrait Category

SWEDEN
HASSELBLAD MASTERS AWARD 2012
Winner in the Fine Art Category

2011 BEVERLY HILLS
5TH ANNUAL PHOTOGRAPHY MASTERS CUP
2nd place - Merit of Excellence / Category Fine Art

2011 LONDON
LONDON INTERNATIONAL CREATIVE COMPETITION
Finalist

Проект "DAME DI CARTONE"

В гардеробе моделей этого арт-проекта представлены модели в стиле ретро, для которых создали из картона костюмы 17 века, 50-ых годов 20 века и костюмы в стиле кубизма.
Кристиан так говорит о своей работе: "Я придумал сюжеты, сделал театральную постановку, используя фотографию и творчество как искусство перевоплощения, будучи в одно и то же время человеком-оркестром, объединяющий в себе автора, режиссера-постановщика, художника по костюмам, фотографа и организатора кастинга."

Картонные платья его моделей выглядят как тантамарески (стенд для фотографирования или ростовая фигура со специальным вырезом-отверстием для лица, рук и ног), и их действительно нельзя носить. Только примерить, и представить себя в образе светской дамы давних времен. Несмотря на абсолютную бесполезность в быту, арт-проект Dame Di Cartone пользуется широкой популярностью.

2009 PARIS
PRIX DE LA PHOTOGRAPHIE
Honorable Mention

посмотреть коллекцию Christian Tagliavini

#Christian Tagliavini  #photo   #artphoto  #art  #1503 #photography #styling

Anciente ART

Покрывало, текстиль, 1790–1810

Обычно старый текстиль линяет и со временем теряет свои краски, а вот это необыкновенное произведение старого искусства сохранила яркость красок
до наших дней. (Этот арт объект в настоящее время находится в Филадельфийском  музее искусств)

Маурицхёст - сокровища голландской живописи

В центре Гааги, рядом с замком Бинненхоф, который можно сравнить по значимости для Голландии с московским Кремлём для России, находится музей Маурицхёйс. Этот музей обладает всемирно известным собранием картин голландских художников, так называемым Кабинетом живописи королей. Особую ценность коллекции придают работы мастеров Золотого века голландской живописи: Яна Вермеера Дельфтского, Франса Хальса и Харменса ван Рейна Рембрандта.

Сравнительно небольшой особняк 1644 года постройки, названный по имени принца Морица из рода Нассау-Зиген, интересен тем, что один лучших музеев Голландии – Маурицхёйс - расположен именно в нём.

 Дворец сохранил первоначальную планировку, так как его серьёзно ремонтировали всего один раз - после пожара в 1704 году. В 1820 году королевская семья выкупила дворец у наследников принца Морица и разместила в нём королевский кабинет живописи и искусств. В 1875 году Маурицхёйс получил статус картинной галереи, музея, обладающего немногочисленной, но бесценном коллекцией редчайших полотен.

Значительную часть музейной коллекции составило частное собрание последнего штатгальтера, принца Вильгельма V Оранского. Это самые старые по возрасту картины, но они поступили на хранение в музей после 1816 года, потому что до этого побывали в 20-летнем плену во Франции, в Лувре.

Собрание сравнимо с жемчужным ожерельем, потому что каждая картина – образец высочайшего мастерства, хотя число произведений невелико.

Но даже среди живописных перлов выделяются отдельные уникальные экземпляры: «Урок анатомии» Рембрандта, «Портрет девушки с жемчужной серёжкой» или «Пейзаж Дельфта» Вермеера – это шедевры всемирной коллекции искусств.

Источник: Gallerix

«Тайная Вечеря» Джорджо Вазари будет восстановлена, спустя 47 лет после наводнения во Флоренции

К 50-летию потопа, вызванного выходом из берегов реки Арно во Флоренции, могут быть восстановлены 1546 живописных работ, пострадавших от наводнения, и все это благодаря новым методам реставрации, разработанным экспертами специально для таких случаев.

Последней и самой масштабной жертвой разрушительного наводнения была великолепная работа Джорджо Вазари (Giorgio Vasari) «Тайная вечеря» (The Last Supper), впервые собранная из частей и теперь ожидающая заключительного этапа реставрации, а именно - восстановления окрашенного слоя.

полностью статья здесь: